Lourdes de la Villa Liso

Irudiak begiratzen segi

Irudiak begiratzen segi, Para/For Lourdes-erako, Textos

No hay comentarios


Share this post

SANDRA PALHARES

Secuencia imaginada. Lourdes de la Villa Liso, Bilbao, Fundación BilbaoArte Fundazioa, 2011, pp. 9-11 (erakusketaren katalogoa)

 

Zorioneko senti gaitezke. Gaur egungo garaia plurala da, askotarikoak teknikaren aukerak, eta, noski, anitzak eskura ditugun aurrerapen teknologikoak. Baina zertara dator hori esatea? Bada, Lourdes de la Villaren pinturari buruz ari garelako da. Bere pinturak ez du errealitatea irudikatzen, pinturaz egindako/eraikitako errealitate baten beste ikuspegi bat baizik. Eta gure mundu teknologikoki garatuan hainbestetan iragarri zaion heriotzaren ostean, bizirik zergatik irauten duen –pintura, esan nahi baita– ulertzeko arrazoia hor egon daiteke. Lourdesen obrak duen bereizitasuna pinturak bakarrik duen bereizitasuna da: margolariaren keinuak eta mantxak berezkoa duten gorabehera askoko gaitasuna.

 

Hori ona ala txarra den, edo arduragabea, orain garrantzirik ez du. Bakarra den gaitasun horren jabe izatea da garrantzizko, gaitasun horren bitartez bereizten delako pintura irudiak egiteko egungo gailuengandik, bere pintura ere autoerreferentziala baita, hau da, pintatzeko baliabideari buruz ere gogoeta egiten duen pintura.

Eta gainera munduari buruzko beste ikuspegi bat ematen digu.

 

Lehen begiratuan, pentsa dezakegu irudikatzeko bere prozesua irudia lantzeko programen bidez lortutako manipulazioari aipamena egiten ari zaiola, hain guztien eskura dagoena gaur egun ordenagailuari esker. Hala ere, antzekotasun oro kointzidentzi hutsa da. Bere irudikatzeprozesuak erreferentzia gisara erabakitzen dituen irudien etengabeko sintesian hartzen du oinarri. Irudi horiek modu etengabean eta sintetikoki manipulatzen dituenean, hainbat kasutan, bere erreferente konkretua oso abstraktua den zerbait bihur tzen da, honako aspaldiko dikotomia hau berriro azpimarratuz: konkretu/abstraktu. Mantxa egindako bere keinuek ageriko egiten dute, oso nabarmen, joko dikotomiko hori.

 

Nahiz eta izan badiren irudien sintesien manipulazioak, Lourdesek ez ditu photoshop bidezko manipulazioen kode berberak erabiltzen, bere sintesiprozesua ez baita ohikoa, ez da gizartearekin partekatutakoa, beste bat da berak proposatzen duena. Proposatu edo asmatu, eta horrek ez du esan nahi prozesu mekanikoaren izaera ere hartzen ez duenik, batzuetan. Dena den, mekanizazio hori ez du modu berdinberdinean errepikatzen, antzeko

zerbait da egiten duena, haren irudiko zerbait errepikatzea. Horregatik da mekanizazio bereizle bat, automatismo piktoriko bat (pinturakapak bata bestearen gainean jarriz, keinu bereizgarrien bitartez).

 

Prozesua, baina, dirudiena baino konplexuago da. Izan ere, bere sintesiak bere erreferente aurrekaria sinplifikatu ordez, konplexu egiten du. Batetik, errealitate edo irudimenezko konkretu bat hartzen duelako erreferente gisa, baina, bestetik, bere sintesilanak benetan osooso abstraktu den zerbait bihurtzeko aukera du –hala nola, koloremantxa, keinu eta nahasketen bidez pusketak eta zatiak estali eta gainezartzen dituenean–, hasierako plano handietako paisaiak eta pertsonaiak eraldatu egiten dira hor, eta beren aurreneko izaera ezkutatu egiten dute. Horrez gain, irudi eta pintura gainjarriaren bidezko bere manipulazioak ezereztatu egiten du oraindik ere gehiago errealitate horrekiko izan dezakeen lotura, beste errealitate bihurtuz: plastikoagoa den errealitate bat, pinturaz

betea eta ñabardura kromatikoen segidaz josia, dentsitatez libreado eta materiaz aldakorrago izan daitezkeen forma edo zeinuak eratuz, asko ere pertsonalagoa den interpretazio batera bideratuak. Hobe esate aldera, aipatu errealitate horren beste ikuspegi posible batera garamatzate. Hortaz, berriz hasierara buelta egingo genuke, pinturak gaur egun oraindik duen presentziaren arrazoietako bat hori dela gogoratzen genuen hartara hain zuzen: pinturak beste errealitate bat dotoretzen du, edo beste modu batera esanda nahiago badugu, beste izaera bat eraiki eta erakustea posible egiten du, aipatu errealitate horrentzat. Asmoa ez da pinturaren iraupena justifikatzea,

munduan pintatzen segitzeko beharra ulertzen saiatzea baizik. `Neoposexistentzialismo ´ moduko bat ezaugarri duen mundu batean, eta amaierarik gabeko nihilismo batera barneratzen dena. Animo egoera hori ez da bakarrik gaur egungo krisiaren ondorio, gizakiak betikoa baitu dena kolokan jartzeko gaitasun nekaezina. Gaur egungo krisiak gainera, egokiago egiten du. Hala ere, kointzidentzi hutsa da, beste bat, artearen bidez beti egon delako galderak egiteko aukera, ikertzeko aukera –nahiz eta, batzuetan, bilaketa hori pixka bat objektiboa dela iruditu.

 

Pintura garaikidetasunean, gai horri buruz honako hau esaten zuen Marlene Dumas margolariak: “Pinturaren kontra esango den guztia egia da. Anakronismo bat da. Modatik kanpo dago. Edozer zatarkeri nola egiten diguten eder erakutsi gauza itsusia da guztiz. Dekadentea da. Harrokeri hutsa. Paregabe izan nahi hori, derrigor. Lerdoa da gainera,

galdera bakarra izan eta horri ere zer erantzun ez jakitea. Arranopola, zergatik irudiei begiratzeko behar hau? Horregatik da pintatzen jarraitzen dudala”.

 

Lourdes de la Villak hori bera ere proposatzen digu, segi diezaiegula irudiei begiratzen. Haiek –bere pinturetako irudiek, noski– gogora ekartzen digute joan den Bilbo bat, industriala, hondatzen hasia, negukoa eta dekadentea. Beharbada, Lourdesen haurtzaroarekin lotua dagoen garaikoa, asko baitira hauriruditegi sinbolikoari egiten dizkion aipamenak, hala nola, karruselak, jostailuzko zaldia, etab. Bere paisaiak gogoratutako garaiko iluntasuna argiztatzen duen argi batek biltzen ditu –nabarmena dirudien hondamena eta dekadentzia argitzen eta zalantzan jartzen duen argi bat, itxuraz kontrajarriak diruditen munduak azaleratzen dituzten atmosferak sortuz. Nostalgiari eta iraganminaren malenkoniari egindako metafora, agian.

 

Gainera, batetik, isuritako tintaz, mantxaz eta pintzeladaz betetako bere oihalek espresionismo abstraktuak orain gutxi utzitako ondare moduko bat berreskuratzen dutela ematen du. Bestetik, eta kontraste modura, bereziki fotografikoak edo serigrafiatuak diren bere irudikapen ikonikoek, nahita nahiez, pop herentzia eta estetika bat gogorarazten digute. Konkretu/abstraktu haren inguruan lehen aipatu dugun joko dikotomikoari balio handiagoa ematen zaio, bere pinturaoihaletan dauden etengabeko kontrario horien bitartez: egiazko/irudizko; mekanikoki

eginak diruditen irudi erreal eta konkretuak. Eta espresiboago eta erreferentziaz libreago den automatismotik eta ustekabetik eratorritako forma abstraktuagoak. Ukaziozko jarduera etengabe hori dialektikaune baten gisara interpretatu genezake, Hegelen moduan. Filosofoa negatiboari buruz ari denean “eginkizunaz” ari da, negatiboa mugimenduaren motorra delako da, eta, ondorioz, haren bidez izakia aurka ipiniz jartzen da, kontraesanak gaindituz.

 

Lourdes de la Villaren pinturak itaunketa hezurmamitzen du esperientzia estetikoan, ikuskeraren estetika baten bila etengabe dabilelako, munduari eta gizakiari buruzko beste ikuspegi posible batzuei buruzko hausnarketa proposatuz, erakusketan bildu dituen obrek erakusten diguten bezala. Azken finean, ez al da hori pinturaren

jomuga: irudiak erakustea?

 

1. Marlene Dumas aipatzen da Marlene Dumas. Contra o muro erakusketari egindako testuan, 2010 Uztailak 02Urriak10, Serralves, Porto, Portugal

 

 

Read more

Bertan dagoen paisaia

Bertan dagoen paisaia, Para/For Lourdes-erako, Textos

No hay comentarios


Share this post

IZASKUN ETTXEBARRIA http://iskaskun.net/

Secuencia imaginada. Lourdes de la Villa Liso, Bilbao, Fundación BilbaoArte Fundazioa, 2011, pp. 13-17 (erakusketaren katalogoa)

 

Munduari buruzko irudi bat neurriz asebeteko gaituena, irudi hori guk hartzeak dakarrena ordaintzeko prest gaudenean lortzen da bakarrik, eta, horretarako, tartean sartzen ez den ikuslearen papera hartu beharko genuke berriro. (Schrödinger, 1984)


Ezin pintura sarean sartu. BilbaoArte aretoko koadro erraldoiak begiratzen, hori da bururatzen zaidana. Bere neurria zergatik biderkatu den ez dakit, baina hazi egin dira, eta modu izugarrian. Artistak lau maila aipatzen dizkit, bere lanari buruz ari zaidanean. Maila horietan ote dago bere obraren ardatza?

 

Sekuentzia itxuratua (II. maila) 2007an ikusi nuen estreinakoz. Bere egituragatik jakin izan nuen hodeiertzmarra hark, genero modura ulertutako paisaia ia gehienetan gerta ohi den bezala, konposizioaren bihotza zehazten zuela. Beraz, taldeerakusketa batean parte hartzeko gonbita luzatu nion Lourdesi, Espacio Abisal aretoan prestatzen ari nintzena, Bilboko Hernani kalean, Paisajismoak. Land_scapes izenburupean.

 

Pinturaren genero klasiko hori berriro ekartzeko arrazoia, gaur egun bizi gaituen testuinguruari arreta egiteko dei moduko bat baino ez izan. Batetik, Paisajismoak hitzak, “espejismoak” ekartzen dizkit gogora, “ismo” atzizkiak joera azpimarratzen zuen, nolabait “espejismorako joera” bat. Bestetik, Landscapes hitzak paisana naturalak ihes egiten digula iradokitzen zidan, hegazkin batean bezala ihes egiten digula, hiriko masaren hazkundearen ondorioz.

Lourdesen obrak ere espejismo aldakor horren inpresioa pizten du. Baina bere kasuan ez da bakarrik hiriko masa horrek paisana naturala irensten duela, baizik eta memoriaren masak eta pertzepzioaren masak, aldi berean. Zilarrezko gainazalak argia islatzen du eta eszenatik kanpo bidaltzen zaitu. Pintura horiek orain formatu handiago batean ikusten ari naizen honetan, detaile txiki horiek, batez ere, haurtzaroko bere oroitzapenen iconografía gordetzen zutela ikusten dut.

 

Pintura eta bideolanak biltzen zituen erakusketa hartan partaideak honako hauek izan ziren: Ana Sanz, Noemí Sjöberg, Esteban de la Monja, Ignacio Uriarte eta Lourdes de la Villa. Eta 5 artista horiek elkarren antzeko egiten ditu pertzepzioari eta irudikapenari eskaintzen dioten arreta bereziak.

 

Bizi gaituen testuinguruak nola eragiten digun eta noraino gure pentsatzeko modua aldatzen duen, hori zen orduan nire kezka nagusia: “Hiri edo landako, hodeiertzaren muga gailendu egiten da gure paisaia zehazteko. Horrela, paisaia gure gorputzetik arago hedatzen den espazioa baino ez da. Genero klasikoetako bat, hori da erakusketa honetan aurkezten diren obrek komunean duten eremu nagusia. Artista bakoitzak generoa berriz pentsatu egiten du, errealitatearen postprodukziorako beren berezko lantresnekin nahasteko. Ezin paisaiaren ideia ulertu, ikuslearen figura kontuan hartu behar dela ulertu gabe. Izan ere, ikusitakoa kontenplatze momentuan bakarrik da pasai. Naturarekiko harreman zuzen eta ingurunearekin harremanean egoteko modu horrekin lotura duen ideia hori gauza berria da; eszenatoki naturalaren kontenplatze horretan ematen da existentzia.”

 

Testuari jarraituz, erakusketaren diskurtsoak erromantizismoan, dadaismoan eta arte kontzeptualean jartzen zituen bere sustraiak. Gizakia da zehaztugabetasunzentroa munduaren/naturaren aurrean, hori da ideia nagusia. Baina, nolakoa da gaur mundu/natura hori, eta nolakoa haiekin gure harremana? Espazio batzuetan zein besteetan, hau da, industriaondorengo hirian eta basoan, naturatik hurbil, eguneroko bizitza egiteko moduei buruz ari nintzen azken boladan. Gogoeta pertsonala da, gure kulturan benetakotasunarekin galtzen ari garen lotura kezkatzen nau, dena dirudi postprodukzioak egina (Bourriaud, 2004): “Gaur egungo egoerak, ingurune gisa ulertua, gizarte mugikor bat sortu du, bitarteko digitalari interkonektatua. Hala ere, gure ingurunearen azelerazio abiadura aldatu egiten da; Augéren ez lekua izan, Platonen estiloko haitzulo digitala, landapaisaiaren eremu gorria

edo gure gurpilak ibiltzeko asfalto erosoa izan. Eguraldiak eta atmosferak aldaketak pairatzen dituzte, eta irudikapenetan espezialistak berezko duen leuntasunaz jasotzen dugu hori guztia”.1

 

Konposizioak oso desberdinak ziren guztiak. Haietan, hodeiertza agertzen zen gure lasaitasunerako aukera bat bezala. Batzuetan, inguruari begiratzera behartzen gintuztela, nahiz eta buruarekin egin beharreko keinua marra zuzenera eramana, e. Bestetan, escena moteltzen zuen artistaren eskuak denbora aldatzen zuelakob. Pintura batean, hodeiertza eta zerua elkar josten ziren leunkiro zuriaren gaineanc. Bosgarrenean, artxibo barruko artxibagailu pilo

batek dantza hipnotiko bat erakusten zigun, ohiko paisaia mundu burokratiko bateko bulegolangile guztientzatd.

Hiripaisaia, naturala, eraikinen barruan edo kanpoan, autoak, trenak edota oinez. Gu modernitatearen semealabak

gara, makinarenak, agintzen gaituen gure jainkosa berria, zigortzen gaituena, baina bere erritmo errepikakorrekin liluratzen.

Lourdesen pinturek zentzumenak aldarrikatzen dituzte, bere memoriaren oroitzapenaren eskutik. Sentsazioak berreskuratu egiten dira Bilboko argiaren eta ibaiaren eszenatoki ezagunen bitartez, garabien eta semaforoen bitartez. Kolorea gauzen gainetik askatzen da, ametsetan bezala. Ezer ez da dirudiena. Atzerako ispiluak esango digu: “mundu honetan, atzerantz egiten da aurrera” (De la Villa, 2007), eta bere ametsen kontakizunen

lekuko gara, eszena asaldagarri baten parez pare.

 

Abstrakzio espazialetik irudien denbora kontsumitzera igaro gara, gauzen berezko sentimenduaren baitan bizitzera. Horregatik, toki honetan gizatasunak ez du giza irudirik, abere bisualak berez Portu duen patua delako hori, berez eta beretzat. Azken toki hori paisaiaren sentimendu bat da, argia sentitzeko modu bat adierazten duena (gertaera fisikoa) eta mundua ikusteko modu bati irteera ematen diona (gertaera psikikoa). Eragiketa intelektual gisa, ezarritako denboraren erkidetasunetik aldendua dago, baina bisual hutsa dena gainditzen duten gauzen materialtasunarekin lotua. Sistema bisuala nerbiosistema oso baten modura pentsatzearen ondorio da abere bisuala. Begirada eta ikuskera bat egiten ditu eta bereizi, automata da eta makina da, eta gizaki bezala bizi nahi du. Heideggerren ustez soilik

gizakia da hiltzen. Aberea bukatu egiten da (De la Villa, 2007)”.

 

Naturalaren eta artifizialaren arteko hibrido baten aurrean gaude, dagoeneko ez dago mugarik. Mugak bere tailerrean itxuragabetu dira. Memoriaren irudikapena baino ez daukagu, formatu handian egina. Aktoreak bizitzen noiz hasiko zain dirudite, eta hori bakarrik falta zaie, giza itxuraz eta ozen beren istorioa kontatzen hasteko. Autotxokeak, aterkiak, terrazetako jarlekuak… Irudikapena beti ematen da eszenario baten barruan, munduaren bertsio mugatua balitz bezala. Irudikatzea abstrakzio egitea da, osotasunak eskaintzen digun informazio kopurua murriztea. Ondoren, aukeratutako elementuak berrantolatu egiten dira erakusketagunetan, kubo zuriak oinarri hartuta, artefaktua bere testuinguru originaletik abstrakzio eginda ateratzeko. Objektu artistikoaren santutzea da abiapuntu, eta obraren produkzio originalaren testuingurua kanporatzen da erakusketatik.

 

Horrela, eszenarioaren ideian barneratzen gara, tailerren ideia atzean utziz. Ondorioz, jaso beharreko errealitate berria bi aldiz irudikatzen da, emandako esanahi berriaren bidez disekzionatua eta birtxertatua. Jean Baudrillardek adierazten duen bezala, nolabaiteko birtualtasun erreala da, erreala dena eraiketa bat baita berez.

 

Lourdes de la Villak erakusten digu gogoratzeak ikusmenarekin ez ezik, zentzumen guztiekin ere lotzen gaituela, eta zentzumen horiek guztiak behin memorian metabolizatu ondoren, bizirik dagoen informazioaren bitartez oraina eraikitzen dutela guk nahi bezala. Jakinduria esperientziaren bidez lortzen bada, gure haitzulo formatupantaila edo eszenatokikuboetan txertatuta gero eta errizomatikoagoa den posprodukzioaren ondorioz sortutako mundu bizigarri batekin lotzen gara, baina gure izaera fisikoa, aberezkoa eta instintiboa ahaztera eraman gaitzakeena, batez ere, harekin dugun harremana. Paisaia, hasiera batean genero tradizionaltzat jo bazen ere, hemen pentsamendurako eremu konkretua da, bizitzera eraman nahi gaituena: jarrera bat da errealitatearen aurrean, errealitate hori gure gorputza inguratzen duen materia jakin baten gisa ulertua, eta hausnarketa bat da, esperientzia horren pertzepzioari eta irudikapenari buruzkoa.

 

1. Paisajismoak. Land_scapes testutik hartutako zatia, Espacio Abisal Gunea. 2007

 

 

Read more

Landscape becomes present

Landscape becomes present, Para/For Lourdes-erako, Textos

No hay comentarios


Share this post

IZASKUN ETTXEBARRIA http://iskaskun.net/

Secuencia imaginada. Lourdes de la Villa Liso, Bilbao, Fundación BilbaoArte Fundazioa, 2011, pp. 60-61 (exhibition catalog)

 

A moderately satisfied view of the world can only come at a high price of being us ourselves who take that view going backwards to the role of an uninvolved observer. (Schrödinger, 1984)

 

Painting can’t go through the net. That’s what I think as I look at the images on these huge paintings at BilbaoArte room. I do not know very well why its size has been multiplied, they have grown hugely. The artist talks about four levels when she refers to her work. Where is the key of her work in these levels?

The first time I saw Imagined Sequence (level II) was in 2007. Its structure told me that that horizon line marked the central part of the composition, as it does in most of landscapes, the way we understand this pictorial genre. So I suggested Lourdes become part of a collective exhibition which Espacio Abisal was organizing at Hernani street in Bilbao. The title of this exhibition was Paisajismos _Landscapes.

The reason to get this classic painting genre back was to get the attention on the context we live in. On one hand, the term Landscaping (Paisajismos), led me to think of “mirage”, the suffix “ism” highlighted the idea of tendency, as “tendency to mirage”. On this other hand, Landscapes made me think of the fact that the natural landscape was getting away from us, going away in an airship opposed to the urban mass growth.

Lourdes’ work also produces that impression of changeable mirage. Even though, in her case it is not only the urban mass what invades the natural landscape, but the mass of the memory and the perception simultaneously. The silver surface reflects light and gets you out of the scene. Now that I can see these paintings in a much bigger format, I can see in detail that those small elements show, above all, the iconography of her childhood memories.

That exhibition was made up of painting style pieces and a video created by Ana Sanz, Noemí Sjöberg, Esteban de la Monja, Ignacio Uriarte and Lourdes de la Villa. These five artists share the same idea about paying special attention to the perception and the representation.

At that moment I was wondering about how the context we live in influences and modifies our way of thinking:

Rural or urban, the horizon limit prevails to delimit our landscape. This way, landscape is just the gap extending beyond our body. One of the classic genres is the general framework common to the art works displayed in this exhibition. Each artist thinks over about the genre to be mixed with their own tools of post-production of the reality.

We cannot understand the landscape notion without considering the spectator, since what we see is just landscape in the act of contemplation. This idea connected to the experience direct to the nature and as way of relation to the environment is a modern practice; it is the contemplation of the natural scenario where the existence is developed.

As the text continues, in the exhibition we could find a speech deeply rooted in the Romanticism, the Dadaism and the Conceptual Art. We start from the idea of a human being as centre of indecision against the world/nature. But, what is it like today this world/nature? And what is our relation with this world/nature?

I had been long time thinking about the ways of life in some places and others; I mean, in the post-industrial metropolis and in the country-side, near the nature. It is a personal reflection around this question, I was worried about losing contact to the reality in our culture, everything seems to be post-produced. (Bourriaud, 2004)

The present situation as I accentuate has created a mobile society which is also interconnected to the digital media. However, the speed of acceleration changes in our environment; either it is the Augé’s place, the digital cave in a platonic way, the raw ground in the rural landscape or the comfortable concrete where we can roll our wheels. Weather and atmosphere go through changes and we perceive it with a typical subtlety of the specialist in representation[1].

.

The compositions of the works were all very different. In all of these works the horizon showed an invitation to relax. In some of them, it encourages us to look around, although the head turn was led to a straight line. In others, because time had remained altered by the artist hand which slowed down the scene.

In a painting, horizon and sky weaved themselves softly on white. In the fifth work, a pile of binders showed a hypnotized dance; usual landscape par excellence for every clerk in the bureaucratic world.

Urban, natural landscape, in or out of the buildings, the cars, the trains or walking. We are the children of modernity, of the machine, of the new goddess that imposes us, punishes us but also seduces us with its repetitive rhythms.

Lourdes’ works appeal to all of our senses from her childhood memory. Feelings are recovered through light and known scenarios such as the estuary, the cranes and the traffic lights in Bilbao. The colour comes unstuck as in a dream. Nothing is what it seems to be. The rear view mirror warns us: “in this world, we go forward backwards” (de la Villa, 2007) and we attend to the stories of her dreams in front of an exciting scene.

“We go from spatial abstraction to take up all the time out of the images, we go to live inside the feeling of the things. That is why in this place the human thing does not have human image, because it is a destiny reached by the visual animal by itself, for itself. This last place is a feeling of the landscape that reflects a way to feel the light (physical event), and it checks out a way to see the world (psychic event).

As an intellectual construction it is separated from the familiarity of the established time, but connected to the materiality of the things which exceed what it is purely visual. The visual animal is the product of thinking the visual system as a complete nervous system. It incorporates and distinguishes look and vision, it is automaton and it is a machine, and it wants to live like a human. Heidegger says that only man dies. Animal perishes.” (de la Villa, 2007)

We are standing in front of a hybrid between natural and artificial, there’s no limit anymore. Limits have been blurred in her worship. Now there is only left the staging of the memory in large format. It seems to expect that the characters come to life now in natural size to tell us, viva voce, their story.

The bumper cars, the umbrellas, the chairs in the terraces… The performing is always produced within a scenario, as a limited version of the world.

Representing means detach, reduce the amount of information which is given to us totally. Afterwards, the chosen elements are organized in the exhibition rooms, based on the white cube which detaches the artifact from its original context.

 

It is started from sacralisation of the artistic object and the original context where the work is produced, is expelled from the exhibition.

That is the way we go deep into the scenario notion, leaving behind the worship idea. This way, it is performed the new reality to be perceived, dissected and reintegrated through an operation of meaning recovery. It is, as Jean Baudrillar points out, real virtuality chance, since the real thing as such thing is a construction.

Loudes de la villa shows us how remembering link us beyond sight/view to all the senses that metabolize in our memory. They build, from living information, the present in our own way.

If the knowledge is reached through experience, inserted in our screen-format caves or cube-scenario, we are linked to an exciting post-produced world which is getting more and more rhizomatic. However, it can make us forget our physical, wild and instinctive nature and above all, our relation to it.

Landscape, which was first considered as a classical genre, means here a frame of specific thought to reach dwelling: an attitude in front of reality. This is understood as specific material that surrounds our body, and a reflection around perception and representation of this experience.


[1] Original text extract developed for Paisajismos. Land_scapes, ESPACIO ABISAL, 2007

 

Read more

Keep looking at images

Keep looking at images, Para/For Lourdes-erako, Textos

No hay comentarios


Share this post

SANDRA PALHARES

Secuencia imaginada. Lourdes de la Villa Liso, Bilbao, Fundación BilbaoArte Fundazioa, 2011, p. 60 (exhibition catalog)

 

Nowadays we are very lucky. We live in an era of plurality, where we live with a huge variety of different techniques and, of course, technology. What is all this for? It is due to the of Lourdes de la Villa’s painting subject. Her painting does not reflect the reality but another possible vision for the reality created with painting. It is there that we can understand the fact of being still alive – the painting, of course- after countless announced deaths in our technologically developed world. Lourdes’ work is specific in a way that we can only find in painting: that risky feature intrinsic to the gesture and the painter’s blot. If this is good or bad or, even indifferent, it does not matter now. What really matters is exactly that unique feature that distinguishes the painting from the modern means of image production since it is an self-referential painting, that is to say, it is a painting that also reflects about the means of painting. Besides it gives us another possible point of view of the world.

In a first impression we can think that its process of representation refers to the manipulation managed through image processing software which, nowadays, is accessible to everyone through computers. However, any similarity is just mere coincidence. Its process of representation is based on a continuous synthesis of images that are used as a reference. As she works constantly and synthetically on her images, in some cases, her concrete concerning turns into something abstract, emphasizing the old dichotomy concrete/abstract. Her gestures materialize in blot is what makes it more visible and evident the dichotomised game.

Even though they are synthesis manipulations of images, Lourdes does not use the same codes of manipulation available through photoshop because its process of synthesis is not conventionalized or socially shared. She offers a different one. Offering or inventing it does not mean that she does not turn it into a mechanization process too, at some point. However, that mechanization is not repeated in the same way but similarly. It is then, a distinguished mechanization, a pictorial automatism (application of continuous layers of paint through differentiated gestures).

It is a more complex process than it seems. We could say that its synthesis makes it complex referent first instead of simplifying. Because if, on one hand, a reality or imaginary concrete are used as referent, on the other hand, its task of synthesis can become something very abstract –as when it overlaps and superimpose fragments and pieces through blots, gestures and mixture of colours –there, her landscapes and characters in the big first shots get changed and hide its first nature.

Also, her image manipulation and superimposed painting cancel even more that possible immediate match to that reality, turning it into another reality. Actually, a more plastic reality, full of paint and a sequence of chromatic hues which take changeable shapes or signs more density-free and matter-free and they lead us to a more personal performance. Or better said, it leads us to another possible vision of such reality. And this way we go back to the beginning when we said that is one of the painting features which justify its presence in our present days. Painting boasts about a different reality, it makes possible to build and teach a different nature for such reality. It is not about justifying the relevance of painting but trying to understand the need of keep on painting our world. A world characterized by a kind of “neo-post-existentialism” and a world which goes deep into an endless nihilism.

This state of mood does not correspond only to a momentary crisis since the man always had the tireless ability of questioning everything through time. The eagerness of this moment of crisis might make it even more relevant. However, it is just another coincidence since art has always been one of the means which allows asking, investigating –though, sometimes, it might be like a not very objective search.

Just talking about painting in the contemporaneousness, the painter Marlene Dumas said, “Anything you can say against painting is true. It is an anachronism. It is out of fashion. It is obscene the way how any horror is turned into a kind of beauty. It is decadent. It is arrogant. They way it insists in being odd. And it is stupid, because it is not even able to answer its only question. Why the hell should we look at images? That is why I continue practicing it” [1]

Lourdes de la Villa also suggests continuing looking at images. Images with a nostalgic beauty. They –the images in her paintings, of course- can make us remember the old Bilbao, industrial, damaged, wintry and decadent. Probably, a synchronic past to Lourdes’ childhood since there are a lot of references to the imagined infant symbol through carrousels, the toy horse, and others. Her landscapes are wrapped by light that illuminate the darkness of the evocative time –a light which seems to illuminate and upset the obvious damage and decadence, creating an environment that clears worlds apparently opposite. It might be a metaphor for nostalgia and sadness about old times.

Furthermore and on the other hand, her canvases full of spilled ink, blots and brushstrokes seem to rescue a heritage kind of recently left by the abstract expressionism. On the other hand and in contrast, her iconic representations accentually photographic or silk screen printed refer to a Pop aesthetic and heritage. The dichotomised game we previously mentioned about something concrete/abstract is even more valid with these permanent opposite that live in her canvas: real/imaginary; real and concrete images that seem to be produced in a mechanic way. And more abstract ways which come at random and automatism in a more expressive and free of referents painting. We could even understand this continuous denial activity as a moment of dialectic as Hegel explains. When the philosopher talks about “task” referring to the negative, it is because the negative is the engine of movement which makes the being opposes, by overcoming the contradictions.

Lourdes de la Villa’s painting materialized the interrogation in aesthetic experience through the continuous searching of a vision aesthetic, suggesting a refection about other possible views of our world and the humans as the work in this exhibition shows. Finally, is not that the purpose of painting: images exhibition?

 

 

[1] Marlene Dumas cited in the introduction text of the exihibition Marelene Dumas. Contra o muro, 02 Julio-10 October 2010, Serralves, Porto, Portugal

 

 

Read more

Catálogo de la exposición en la Fundación BilbaoArte Fundazioa

Catálogo de la exposición en la Fundación BilbaoArte fundazioa, Para/For Lourdes-erako, Textos

No hay comentarios


Share this post

Secuencia imaginada. Lourdes de la Villa Liso, Bilbao, Fundación BilbaoArte Fundazioa, 2011

descargar Catálogo

Read more

El paisaje se hace presente

El paisaje se hace presente, Para/For Lourdes-erako, Textos

No hay comentarios


Share this post

 

IZASKUN ETXEBARRIA http://iskaskun.net/

Secuencia imaginada. Lourdes de la Villa Liso, Bilbao, Fundación BilbaoArte Fundazioa, 2011, pp. 13 – 17 (catálogo exposición)

 

Una imagen moderadamente satisfactoria del mundo sólo se consigue al alto precio de ser nosotros mismos quienes tomemos la imagen retrocediendo para ello al papel de observador no involucrado. (Schrödinger, 1984)

 

La pintura no cabe por la red. Eso es lo que pienso al mirar las imágenes de estos gigantescos cuadros de la sala de BilbaoArte. No sé muy bien por qué motivo su tamaño se ha multiplicado pero han crecido enormemente. La artista me habla de cuatro niveles cuando se refiere a su trabajo. ¿Es en estos niveles donde está la clave de su obra?

 

La primera vez que vi Secuencia Imaginada (nivel II) fue en 2007. Su estructura me indicó que aquella línea de horizonte marcaba la parte central de la composición, como sucede en la mayoría de los paisajes tal como entendemos este género pictórico. Así pues le propuse a Lourdes formar parte de una exposición colectiva que estaba preparando en Espacio Abisal, en la calle Hernani de Bilbao, titulada Paisajismos_Landscapes.

 

La razón de recuperar este género clásico de la pintura no era otro sino el de llamar la atención sobre el contexto en el que vivimos. Por un lado, el término Paisajismos, me llevaba a pensar en “espejismos”, el sufijo “ismos” resaltaba la idea de tendencia, como “tendencia al espejismo”. Por otro lado, Landscapes me sugería que el paisaje natural escapaba de nosotros, se alejaba como montado en una aeronave frente al crecimiento de la masa urbana.

 

La obra de Lourdes también produce esa impresión de espejismo cambiante. Aunque en su caso no es sólo la masa urbana la que invade el paisaje natural, sino la masa de la memoria y la percepción simultáneamente. La superficie de plata refleja la luz y te expulsa de la escena. Ahora que veo estas pinturas a un formato mucho mayor aprecio que aquellos pequeños detalles alojaban, ante todo, la iconografía de sus recuerdos de infancia.

 

Aquella exposición estaba compuesta por obras en soporte pintura y video de Ana Sanz, Noemí Sjöberg, Esteban de la Monja, Ignacio Uriarte y Lourdes de la Villa. Estos 5 artistas coinciden en prestar una atención especial a la percepción y la representación.

 

En aquel momento me preguntaba acerca de cómo el contexto en el que nos encontramos influye y modifica nuestra forma de pensar:

 

Rural o urbano, el límite del horizonte se impone para delimitar nuestro paisaje. Así, paisaje no es más que el espacio que se extiende más allá de nuestro cuerpo. Uno de los géneros clásicos, es el marco general común a las obras que se presentan en esta exposición. Cada artista repiensa el género para remezclarlo con sus propias herramientas de post-producción de la realidad.

 

No se puede entender la noción de paisaje sin tomar en consideración la figura del espectador, ya que lo visto sólo es paisaje en el acto de la contemplación. Esta idea ligada a la experiencia directa con la naturaleza y como forma de relación con el entorno es una práctica moderna; es la contemplación del escenario natural donde se desarrolla la existencia.

 

Según continuaba el texto, en la exposición encontrábamos un discurso enraizado en el romanticismo, el dadaísmo y el arte conceptual. Se parte de la idea de un ser humano como centro de indeterminación frente al mundo/naturaleza. Pero ¿cómo es hoy este mundo/naturaleza y cuál es nuestra relación con él/ella?

 

Llevaba tiempo dándole vueltas a las formas de vida cotidianas en unos espacios y otros; es decir, en la urbe postindustrial y en el campo, cerca de la naturaleza. Es una reflexión personal en torno a esta cuestión, me preocupa la pérdida de contacto con lo real en nuestra cultura, todo parece estar postproducido (Bourriaud, 2004):

 

La situación actual como marco ha generado una sociedad móvil e interconectada al medio digital. Sin embargo, cambia la velocidad de aceleración de nuestro entorno; ya sea el no lugar de Augé, la caverna digital al más puro estilo platónico, la tierra cruda del paisaje rural o el cómodo asfalto sobre el que deslizar nuestras ruedas. El tiempo y la atmósfera sufren alteraciones y lo percibimos con la sutileza propia del especialista en representación.[1]

 

Las composiciones de las obras eran todas bien distintas. En ellas, el horizonte aparecía como invitándonos a relajarnos. En algunas, haciéndonos mirar alrededor, aunque el giro de la cabeza había quedado transportado a la línea recta. En otras, porque el tiempo había quedado alterado por la mano de la artista que ralentizaba la escena. En una pintura, horizonte y cielo se entretejían suaves sobre blanco. En la quinta, un montón de archivadores en archivo mostraban un baile hipnótico, paisaje cotidiano por antonomasia para todos los oficinistas del mundo burocrático.

 

Paisaje urbano, natural, dentro o fuera de los edificios, los coches, los trenes o caminando. Nosotros somos los hijos e hijas de la modernidad, de la máquina, la diosa nueva que nos impone, nos castiga pero nos seduce con sus ritmos repetitivos.

 

Las pinturas de Lourdes apelan a los sentidos desde el recuerdo de su memoria. Se recuperan las sensaciones a través de la luz y los escenarios familiares de la ría, las grúas y los semáforos de Bilbao. El color se despega de las cosas como en los sueños. Nada es lo que parece. El retrovisor nos avisa: “en este mundo, se avanza hacia atrás” (de la Villa, 2007) y asistimos a los relatos de sus sueños frente a una escena inquietante.

 

“De la abstracción espacial pasamos a consumir el tiempo de las imágenes, pasamos a habitar dentro del sentimiento propio de las cosas. Por eso en este lugar lo humano no tiene imagen humana, porque es un destino alcanzado por el animal visual por sí, para sí. Este último lugar es un sentimiento del paisaje que refleja una forma de sentir la luz (evento físico), y que da salida a una forma de ver el mundo (evento psíquico). Como construcción intelectual está separado de la familiaridad del tiempo establecido, pero enlazado con la materialidad de las cosas que exceden lo puramente visual. El animal visual es fruto de pensar el sistema visual como un sistema nervioso completo. Integra y diferencia mirada y visíón, es autómata y es máquina, y quiere vivir como humano. Dice Heidegger que solo el hombre muere. El animal termina.” (de la Villa, 2007).

 

Nos encontramos ante un híbrido entre lo natural y lo artificial, ya no hay fronteras. Los límites se han desdibujado en su taller. Ahora sólo queda la escenificación de la memoria a gran formato. Pareciese a la espera de que los actores cobrasen vida ya a tamaño natural para contarnos, de viva voz, su historia.

 

Los autos de choque, los paraguas, las sillas de las terrazas… La representación siempre se produce dentro de un escenario, como una versión finita del mundo. Representar supone abstraer, reducir la cantidad de información que nos ofrece la totalidad. Después, se reorganizan los elementos escogidos en los espacios de exposición basados en el cubo blanco que abstraen el artefacto de su contexto original. Se parte de la sacralización del objeto artístico y se expulsa de la exposición el contexto original de producción de la obra.

 

Así, es como nos adentramos en la noción de escenario, dejando atrás la idea de taller. De esta manera, se re-presenta la nueva realidad a percibir, diseccionada y reinsertada mediante una operación de resignificación. Es, como apunta Jean Baudrillard, una suerte de virtualidad real, ya que lo real como tal es una construcción.

 

Lourdes de la Villa nos muestra cómo recordar nos vincula más allá de la vista a todos los sentidos, que metabolizados en la memoria construyen, a partir de la información viva, el presente a nuestro antojo. Si al saber se llega a través de la experiencia, insertados en nuestras cavernas formato-pantalla o escenarios-cubo nos vinculamos a un estimulante mundo posproducido cada vez más rizomático, que sin embargo puede hacernos olvidar nuestra naturaleza física, animal e instintiva y sobre todo, nuestra relación con ella.

 

El paisaje, que en un principio se consideraba un género tradicional, supone aquí un marco de pensamiento específico para llegar al habitar: una actitud ante la realidad, entendida ésta como materia específica que rodea nuestro cuerpo, y una reflexión en torno a la percepción y representación de esta experiencia.

 

 


[1] Extracto del texto original desarrollado para Paisajismos_Landscapes, ESPACIO ABISAL. 2007

 

Read more

Seguir mirando imágenes

Para/For Lourdes-erako, Seguir mirando imágenes, Textos

1 comentario


Share this post

SANDRA PALHARES

Secuencia imaginada. Lourdes de la Villa Liso, Bilbao, Fundación BilbaoArte Fundazioa, 2011, pp. 9 – 11 (catálogo exposición)

Hoy en día somos muy afortunados. Vivimos en una época plural, donde convivimos con una inmensa diversidad técnica y, por supuesto, tecnológica ¿A qué propósito viene todo esto? Por el tema de la pintura de Lourdes de La Villa. Su pintura no plasma la realidad sino que plasma otra posible visión de la realidad hecha/construida con pintura. Es ahí donde se puede entender el hecho de que ella siga viva -la pintura, por supuesto- después de innumerables muertes anunciadas en nuestro mundo tecnológicamente desarrollado. La obra de Lourdes tiene la especificidad que solo podemos hallar en la pintura: esa cualidad azarosa intrínseca al gesto y a la mancha del pintor –en este caso, pintora. Si esto es bueno o malo o, incluso indiferente, no interesa al caso. Lo que si importa retener es precisamente esa cualidad única que distingue la pintura de los actuales medios de producción de imágenes ya que es una pintura también autorreferencial, o sea, es una pintura que también reflexiona sobre el medio de pintar. Además de darnos a conocer otra posible visión del mundo.

En una primera impresión podemos pensar que su proceso de representación hace referencia a la manipulación conseguida por programas de tratamiento de imagen que, hoy en día, están ahí al alcance de todos a través del ordenador. Sin embargo, cualquier semejanza es pura coincidencia. Su proceso de representación está basado en una permanente síntesis de las imágenes que le sirven de referente. Al manipular incesante y sintéticamente sus imágenes, en algunos casos, su referente concreto se convierte en algo muy abstracto haciendo hincapié en la vieja dicotomía: concreto/abstracto. Sus gestos materializados en mancha es lo que hacen más visible y evidente el juego dicotómico.

Aún siendo manipulaciones de síntesis de las imágenes, Lourdes no utiliza los mismos códigos de las manipulaciones disponibles a través del photoshop porque su proceso de síntesis no está convencionalizado o socialmente compartido sino que propone otro. Proponerlo o inventarlo no significa que no lo convierta, en algún momento, en un proceso también mecanizado. No obstante, esa mecanización no la repite igual sino que repite una semejanza, un parecido – es, por lo tanto, una mecanización diferenciada, un automatismo pictórico (aplicación de capas sucesivas de pintura a través de gestos diferenciados).

Es también un proceso más complejo de lo que aparenta. Casi podríamos decir que su síntesis en lugar de simplificar hace complejo su referente primero. Porque, si por un lado, una realidad o imaginario concretos le sirven de referente, por otro, su labor de síntesis puede llegar a convertirlos en algo muy abstracto – cómo cuando solapa y superpone fragmentos y trozos a través de manchas, gestos y mezclas de colores –ahí, sus paisajes y personajes de los grandes planos iniciales se transforman y ocultan su primera naturaleza. Asimismo, su manipulación de imágenes y pintura superpuesta anula aún más esa posible correspondencia inmediata con dicha realidad, convirtiéndolas en otra realidad. De hecho, una realidad más plástica, llena de pintura y sucesiones de matices cromáticos que configuran formas o signos más libres de densidad y materia variables y, nos conducen a una interpretación más personal. O mejor dicho, nos conducen a una otra posible visión de dicha realidad. Y así volvemos al principio cuando referíamos que esa es una de las cualidades de la pintura que justifican aún su presencia en nuestros días: la pintura gallardea otra realidad, o si quisiéramos, hace posible construir y enseñar otra naturaleza para dicha realidad. No se trata de justificar la pertinencia de la pintura sino de intentar entender la necesidad de seguir pintando nuestro mundo. Un mundo caracterizado por una especie de `neo-pos-existencialismo´ y que se adentra en un nihilismo sin fin. Este estado de ánimo no corresponde solo a la crisis del momento ya que el hombre siempre tuvo una capacidad inagotable de cuestionarlo todo a lo largo del tiempo. El afán de la crisis del momento puede que lo haga incluso más pertinente. Sin embargo, es otra pura coincidencia ya que el arte siempre ha sido uno de los medios que permite preguntar, indagar –aunque, a veces, pueda parecer una búsqueda poco objetiva.

Justamente a propósito del tema de la pintura en la contemporaneidad, la también pintora Marlene Dumas comentaba,

“Todo lo que se diga contra la pintura es verdad. Ella es un anacronismo. Está fuera de moda. Es obsceno el modo como se convierte cualquier horror en una especie de belleza. Es decadente. Es arrogante. La forma como insiste en ser impar. Y es estúpida, porque ni siquiera consigue responder a su única pregunta. ¿Porqué diablo habríamos de mirar imágenes? Es por eso que continuo a practicarla”[1].

Lourdes de La Villa también nos propone seguir mirando imágenes. Imágenes de una belleza nostálgica. Ellas – las imágenes de sus pinturas, por supuesto – nos hacen recordar un Bilbao pasado, industrial, deteriorado, invernal y decadente. Probablemente, un pasado sincrónico al tiempo de la infancia de Lourdes ya que son muchas sus referencias al imaginario simbólico infantil a través de los carruseles, el caballo de juguete, etc. Sus paisajes están envueltos por una luz que alumbra la oscuridad del tiempo evocado –una luz que parece iluminar y contrariar la aparente deterioración y decadencia, creando atmósferas que disipan mundos aparentemente contrarios. Quizás una posible metáfora a la nostalgia y la melancolía del pasado.

Además y, por un lado, sus lienzos repletos de tinta derramada, manchas y pinceladas parecen rescatar una herencia relativamente reciente dejada por el expresionismo abstracto. Por otro y en contraste, sus representaciones icónicas marcadamente fotográficas o serigrafiadas, inevitablemente, remiten a una estética y herencia pop. El juego dicotómico que referíamos antes a propósito del concreto/abstracto se valida aún más con estos permanentes contrarios que habitan sus lienzos de pintura: real/imaginario; imágenes reales y concretas que parecen ser producidas mecánicamente. Y, formas más abstractas que resultan del azar y automatismo de una pintura más expresiva y libre de referentes. Podríamos incluso interpretar esta permanente actividad de negación como un momento de dialéctica como lo planteaba Hegel. Cuando el filósofo habla de `labor´ a propósito de negativo, es porque el negativo es el motor del movimiento por lo cual el ser se pone oponiéndose, por superación de las contradicciones.

La pintura de Lourdes de la Villa materializa la interrogación en experiencia estética a través de la permanente búsqueda de una estética de la visión, proponiendo una reflexión sobre otras posibles visiones de nuestro mundo y del hombre como nos muestran las obras que integran esta exposición. Al final, ¿no es esa la finalidad de la pintura: mostrarnos imágenes?

 

 


[1] Marlene Dumas citada no texto de apresentação da exposição Marelene Dumas. Contra o muro, 02 Julio-10 Octubre 2010, Serralves, Porto, Portugal

 

Read more